绘画与色彩艺术问题思考

本世纪初，随着西方自然科学、现代工业以及科技的发展，改变了人与人、人与自然之间的关系，使得人类的眼睛从宏观世界延伸到微观世界，因此现代艺术家必然要创造和选择新的艺术语言去表现自己所认知的新世界，绘画不再是为客观自然而存在，而是要“为艺术而艺术”。在此世界绘画艺术也出现了重大变革，而色彩作为其主要的艺术语言之一，得到解放和升华，终于使艺术家和理论家发现：色彩是人的感觉、感情本质自然的反应。因此当代艺术家把色彩本质的表现作为绘画艺术的核心推向了新的进程，绘画色彩的优劣成为了公认永恒的绘画尺度。哲学与自然科学直接影响了绘画艺术创造，叔本华的唯我主义的本体论思想、唯意志论观点导致认识上的直觉主义，这使艺术家的天才和灵感升华为艺术创造的根本。对于绘画艺术家来说，色彩最终就是人的感觉与感情、想象与意念的本质以及本质的自然创造。现代绘画色彩解放的意义在于它代表着艺术家对色彩探索及色彩本体以及色彩能量的全面释放。

杨菲 《图示符号》 油画 25×55cm

杨菲 风景系列《动态方向——东南西北》 木板油画 60×80 cm

杨菲 《寂夜》 木板油画 40×40cm

杨菲 风景系列《动态方向——逐》 木板油画 60×80 cm

二十世纪的色彩艺术创作者的创作过程，不再是简单的运用表向的色彩感知与体验，而是更进一步的提升和揭示色彩的内在感情与需求以及色彩想象与色彩意象。色彩绘画对于当代艺术家来说，主要表现为绘画过程中的直觉感应，但是随着时代的变化，艺术家更突出的直觉表现是传达色彩情感与想象。绘画能够做什么和应该做什么，围绕这个问题毫无疑问有很多不同的观点与看法。人们考虑到了艺术鉴赏家们对16世纪威尼斯绘画以及17世纪佛罗伦萨绘画的评价，或者考虑到了17世纪的关于造型和色彩的优先权的学术争论，然而关于这个问题到了二百年之后才有了结果。近代长期以来，色彩在造型中被认为是主导因素，因此也就可以直接从绘画艺术的现实情况中得出关于绘画能够做什么和应该做什么的答案——那就是表达：“色彩的感觉”。在十八世纪，法国启蒙思想家、唯物主义哲学家、无神论者和作家狄德罗就已经认识到：“素描使万物附之有形，色彩使万物具有生命。”随后受到十七世纪荷兰画派及英国画家康斯塔伯启发的巴比松画派画家倡导“面向自然写生”的主张，直接在户外写生，再将作品带回画室完成，忠于表现眼前自然环境，画家调色板上的色彩逐渐丰富起来，而在绘画中真正赋予色彩相对独立的表现价值，则要归功于十九世纪中叶欧洲艺术印象派画家兴起的那场“视觉革命”。印象派绘画主要注重绘画的光线与色彩、形体与结构、意境与创新的融合。它吸收了写实主义绘画的营养，在绘画中开始对室外自然光的研究和表现。根据“物体的色彩是由光的照射而产生，物体的固有色是不存在的”这一当时最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色。印象派画家倡导走出画室、去户外写生，力求真实地刻画自然，直接描绘阳光下的风景和日常生活，摒弃16世纪以来狭隘的褐色调。在印象派绘画作品中，光和色是基本的绘画语言和艺术要素，是画面上快速跳动的音乐旋律和慢慢流淌的文化符号。经过印象派色彩革命的洗礼，色彩在绘画中被赋予非同寻常的重要意义。现代绘画时常把色彩当成形式的真实体与结构来看待，而不是把色彩当成形式的额外装饰物。这反映了当代人们对色彩总体看法上的态度变化。 在现代绘画中，绝大部分画家将注意力转向了色彩的表现力。因为在绘画中，由运动和形式产生出来的共鸣空间，归根结底是画家对色彩最大能量探索的表现。微妙的色彩差异能产生强烈的对比冲突，色彩间的形式与张力以及色阶与笔触使色彩具备了造型的能力——艺术形象由此诞生。

在现代绘画中色彩不仅仅是表达的媒介，同时还是描绘的对象，艺术家能够不拘于对某个实物的描摹不受限制的自由发挥。只要艺术家有天赋，他就能把色彩作为绘画的主体来进行表达与驾驭。艺术家在使用色彩之前首先要理解色彩，也就是说要试着不把自己的构想强加在色彩上，而是要尽可能考虑到色彩本身的潜能与能量，然后根据色彩规则来表达自己的意图。如果一个艺术家能够自愿的让出一部分自主性同时把自己也当成色彩的媒介，以便更好的、全面的发挥色彩的本质，是值得我们尊重的。

文章来源：《现代工业经济和信息化》 网址: http://www.xdgyjjhxxh.cn/qikandaodu/2021/0122/545.html